In una stagione della moda dominata da spettacolo e teatralità, Hermès si distingue facendo ciò che sa fare meglio: lasciare che siano gli abiti a parlare, attraverso l’artigianalità, i dettagli sottili e un design pensato con intenzione. Per la Primavera/Estate 2025, la direttrice creativa Nadège Vanhee-Cybulski ha presentato una collezione solida e sicura, radicata nell’eredità equestre della maison ma pensata per il ritmo e la complessità della vita contemporanea.

La collezione esplora il tatto e la materia – cap capi che si desidera toccare e indossare, non solo ammirare. I toni neutri come kraft-beige, castagna e ebano creano una base calma e terrosa, mentre accenti di rosa bougainvillea, rouge H e verde bronzo aggiungono un tocco moderno e deciso. È una palette raffinata, equilibrata e volutamente misurata.

L’innovazione nei materiali è stata centrale. Le pelli, morbide e flessibili, sono state modellate in giacche essenziali e cappotti modulari che risultano naturali tanto in città quanto in un contesto rurale. Una giacca biker in pelle di capra color alabastro spiccava per eleganza senza tempo, mentre un bomber trapuntato – strutturato come un sottosella – riportava l’eredità equestre del marchio in una chiave delicatamente contemporanea.

La donna Hermès di Vanhee-Cybulski è da sempre in movimento – nel corpo e nello stile. I design modulari rispondono perfettamente a questa visione. Un abito utility può essere indossato in più modi. Un bomber si trasforma in un gilet. Completi in rete di seta – crop top leggeri e slip a vita alta – sono pensati per essere sovrapposti, combinati, interpretati. È un guardaroba che incoraggia l’espressione personale, piuttosto che imporre un’estetica univoca.

Come previsto, gli accessori erano impeccabili. Le borse Plume mini e Kelly II Sellier sono state aggiornate con nuove finiture e una tracolla inedita che unisce funzionalità ed eleganza. La Cabas Tressage, intrecciata a mano con crine di cavallo, colpisce per la sua semplicità apparente e per le sue radici artigianali profonde. I gioielli hanno assunto forme grafiche e scultoree: bracciali e collane in argento, orecchini in pelle nei toni biscotto e Havana, e cinture sottili che completavano le silhouette con discreta autorevolezza.

Le calzature erano pratiche ma raffinate. Stivali alti in vitello dalle tonalità morbide evocavano un’eleganza nostalgica, mentre gli zoccoli verde noce aggiungevano una nota contemporanea e funzionale. Niente risultava eccessivo – ogni pezzo aveva una funzione, un peso, un significato.

Le stampe sono state utilizzate con parsimonia ma con cura. Il motivo Eau d’artifice – quasi come una filigrana – decorava camicie in seta morbida e tute con dettagli in pelle. Il look finale, un lungo abito in rete di seta ricamato con pelle di agnello e perline metalliche, era sobrio ma d’impatto. Riassumeva l’intera collezione: non pensata per stupire, ma per durare.

Non si è trattato di una rivoluzione per Hermès, né ce n’era bisogno. Piuttosto, è stato un promemoria di cosa significhi il vero lusso: progettato con cura, fatto per essere vissuto, costruito per resistere nel tempo. La Primavera/Estate 2025 ha riaffermato la sicurezza del marchio nella propria identità – una che non insegue le tendenze, ma le definisce con discrezione.

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Per la collezione Primavera/Estate 2025, Acne Studios ha presentato una visione tanto inquietantemente familiare quanto profondamente estraniante. Sotto la direzione creativa di Jonny Johansson, la maison svedese ha trasformato l’ordinario in straordinario, dando vita a un’ode surrealista alla vita domestica, distorta e sublimata in alta moda. Questa stagione non si limita ad aprire la porta di casa: ne abbatte le pareti, rivelando la poesia tenera e caotica che si cela dietro le tende.

Domestico e alieno

“Il risultato finale è domestico e alieno,” afferma Johansson, racchiudendo l’essenza di una collezione nata dal desiderio di reinterpretare l’ambiente quotidiano. C’è qualcosa di onirico e deformato nei volumi, come se i capi fossero stati pescati dalla memoria o da un vecchio baule del travestimento infantile. Tessuti da tappezzeria diventano cappotti. Tovaglie cerate si trasformano in gonne. Le tende riappaiono sotto forma di fiocchi rigidi e drappeggi monumentali, oppure ridotti a proporzioni giocattolo.

La passerella stessa è stata trasformata in un ambiente intimo dall’artista visivo Jonathan Lyndon Chase, che ha ricreato un’installazione domestica intrisa di sculture morbide, oggetti d’arredo reinterpretati e un’energia emotiva che esplora la soggettività Black, la fluidità queer e la tenerezza dell’ambiente privato. È uno spazio tanto fragile quanto potente.

Silhouette distorte e armature di morbidezza

Le silhouette si presentano volutamente sbilanciate: volumi iper-ingranditi o drasticamente ridotti. Maglieria ristretta, tailoring imbottito, capi ibridi che sembrano assemblati in modo istintivo. Trench e abiti da sera si fondono, corsetti si uniscono a giacche, evocando l’improvvisazione di chi rovista nell’armadio della madre. La sartoria appare spiegazzata, come indossata in fretta, mentre la pelle tagliata a vivo dà una nuova voce al lusso.

Il denim e la pelle sono rielaborati in chiave scultorea: la schiuma accoppiata conferisce una struttura quasi da tappezzeria. La maglieria ricorda i centrini e i copriteiere, ingigantiti e tempestati di cristalli. Mohair bollito e infeltrito dà forma a capi che sembrano erroneamente rimpiccioliti, ma che comunicano la dolcezza degli abiti vissuti.

Tessuti che raccontano storie

I tessuti della collezione hanno anima e memoria. Cotone e jersey richiamano la lingerie, mentre il lattice lucido ha un aspetto quasi extraterrestre. I contrasti tattili creano un dialogo tra passato e futuro, intimità e distorsione. Le stampe floreali, ispirate ai tessuti d’arredo vintage, sono stirate e deformate; il motivo a pois appare sbiadito, i quadretti evocano un guardaroba maschile fuori dal tempo.

Accessori: armature sentimentali

La nuova borsa Camero debutta con la sua forma compatta ispirata alle custodie per macchine fotografiche vintage. Torna anche la “tool bag” Multipocket, ora in pelle mock-croc o impreziosita da fiocchi di cristallo. Le clutch da portare a mano evocano un’eleganza nostalgica, proposte in versione lucida o decorata.

La gioielleria è scultorea e audace: bracciali, anelli e collane presentano superfici irregolari e martellate, mentre catene oversize convivono con cristalli Swarovski incastonati in fiocchi o anelli bulbosi. Una femminilità potente, mai leziosa.

Calzature: il focolare reinventato

Le scarpe rileggono la quotidianità con occhi nuovi: le décolleté open-toe in pelle degradé e mock-croc si alternano a stivali stampati con fiori. Le ballerine diventano pezzi unici lavorati all’uncinetto, con cristalli incastonati come ricami fatti a mano. È come se le pantofole della nonna fossero state rilette in chiave futurista.

Una casa propria, nella propria pelle

La collezione P/E 2025 di Acne Studios è un paradosso poetico: esplora la dolcezza in un mondo duro, la familiarità domestica resa enigmatica. Interroga cosa significa sentirsi davvero “a casa” – nel proprio corpo, nei propri vestiti, nel proprio spazio. Come dice Jonathan Lyndon Chase: “Comfort e vulnerabilità” diventano atti rivoluzionari.

In un’epoca ossessionata dall’apparenza, Acne Studios celebra l’interiorità: personale, strana, preziosa. Qui, la moda non si limita a riflettere la vita. La distorce, la esagera e infine la eleva.

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In un dialogo vibrante tra arte e moda, la collezione Primavera/Estate 2025 di Anteprima, firmata dalla Creative Director Izumi Ogino, prende vita sotto il segno della collaborazione con l’artista giapponese Mika Tajima. Una sinergia creativa che indaga la coesistenza armoniosa tra umanità e tecnologia, tra impermanenza e introspezione, fondendo estetica e riflessione in un racconto visivo denso di significato.

ORIZZONTI ARMONIOSI: un inno alla bellezza imperfetta

La passerella si trasforma in un paesaggio emotivo dove la natura non è solo musa, ma presenza concreta. La collezione si muove attorno al concetto di “Orizzonti Armoniosi”, esplorando la relazione simbiotica tra uomo e ambiente. Motivi ispirati a flora e fauna danzano su tessuti leggeri e stratificati, trasmettendo un senso di calma, connessione e protezione.

Ogni look è pensato per offrire conforto, ma anche libertà di espressione, in un’epoca che richiede presenza e resilienza. Minimalismo ed eleganza sobria si fondono per creare capi che riflettono la complessità dell’animo umano.

ALT-OPTIMISM: moda come rifugio e speranza

Il cuore concettuale della collezione batte forte con il tema “Alt-Optimism”: una risposta estetica alla fragilità dei tempi contemporanei. In passerella si respira un’energia positiva, una ricerca di leggerezza e speranza che si traduce in silhouettes ariose e movimenti morbidi. Ogino invita a riscoprire la gioia nei piccoli dettagli, a indossare emozioni, e a trovare rifugio nella bellezza del presente.

Eleganza Rustica e gioco di trasparenze

Con la definizione di “Eleganza Rustica”, la collezione esplora l’imperfezione come nuova forma di lusso. I materiali – garze di seta, chiffon trasparenti, miscele di nylon – sono scelti per la loro capacità di accarezzare il corpo senza costringerlo, creando volumi eterei e sensualità sussurrate. Le trasparenze giocano con la percezione, velando e svelando con grazia, tra equilibrio e sorpresa.

Palette e texture: quiete visiva in movimento

La palette colori riflette un dualismo emozionale: da un lato toni caldi e vibranti, dall’altro sfumature fredde e trasparenti. I neutri terrosi si fondono con blu nostalgici, evocando paesaggi interiori e stati d’animo di rinascita. Le texture, appena percettibili ma ricche, invitano a rallentare lo sguardo, a toccare con gli occhi.

Il simbolo floreale: l’Allium

Tra i protagonisti visivi della collezione spicca il fiore di Allium, scelto non solo per la sua forma sferica e scenografica, ma per il suo significato simbolico: unità, pazienza, prosperità. Una metafora poetica che ben si sposa con la visione di una moda che non grida, ma sussurra valori profondi.

WIREBAG: arte da indossare

Chiude la sfilata un omaggio tangibile alla collaborazione con Mika Tajima: una WIREBAG ispirata alle sue opere, una scultura portabile realizzata in materiale trasparente ma strutturato, che richiama il vetro e i suoi riflessi mutevoli. Un pezzo statement che fonde artigianato e arte concettuale, perfetto emblema dell’intera collezione.

Con la SS25, ANTEPRIMA ci accompagna in un viaggio meditativo tra sogno e realtà, forma e sensazione. Una collezione che non si limita a vestire il corpo, ma lo abbraccia con delicatezza, sussurrandogli: “sei parte del tutto”.

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Sentirsi parte di un sistema biologico perfetto, in una connessione eterna e vitale, per un ritorno costante e ciclico all’essenza degli elementi. Un’immagine visiva, il cui disegno corre lento attraverso il corso naturale del tempo che, inesorabile, scandisce ogni stagione e la vita stessa. Sono questi gli elementi generativi che hanno ispirato la collezione Primavera/Estate CALCATERRA.

I quattro elementi — Fuoco, Terra, Acqua e Aria — definiscono forme, volumi e la palette colori: dal rosso intenso al bianco più etereo.

L’elemento naturale attraversa l’intera collezione, in una lettura trasversale di tessuti e colori:
sete organzate, cotoni tinti a freddo e fil coupé mimano i movimenti vitali di foglie al vento o i colori di intensi tramonti.

Come l’abito rosso sanguigno, reso leggero da una cascata di frange in chiffon di seta intrecciato a mano, che diventa uno dei motivi ricorrenti della stagione. Il tema della leggerezza, della brezza sul viso, percorre tutta la collezione, attraverso volumi che si fanno più avvolgenti e protettivi, disegnando un nuovo ecosistema.

Un ecosistema che, come sempre nell’estetica di CALCATERRA, cerca di rinascere allontanandoci dalla quotidianità del nostro tempo.

È così che anche il pantalone perde il suo tailoring, abbandonando tasche e cuciture per trasformarsi in un drappeggio naturale — che ricorda la prima Josephine Baker — attraverso tessuti che sembrano nascere sul corpo, come un’onda.

Riconnettersi alla nostra essenza naturale non è un invito, ma un’urgenza espressiva che si percepisce in tutta la collezione:
dalla scelta dei tessuti, organici e in esclusiva, alle tinture biologiche e alla manifattura stessa.

Una collezione dove lavoro, fatica, idea e creazione si percepiscono come elementi necessari e interconnessi per generare bellezza.

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La collezione Ferrari Primavera/Estate è una riflessione intima, uno spazio fisico, una sintesi compiuta del guardaroba Ferrari, dei suoi elementi identitari, delle sue cifre distintive.

The Ferrari Cabinet rappresenta i capisaldi e i codici del lessico Ferrari: il blazer, il pantalone, il bomber e la pencil skirt prendono vita in un processo sequenziale di vestizione e stratificazione, in cui forme e tessuti assumono il proprio significato e la propria contestualizzazione attraverso il filtro della bellezza e dell’unicità. Il tutto avviene attraverso la rilettura e le contaminazioni proprie dello stile Ferrari.

Il direttore creativo Rocco Iannone osserva da vicino i volumi precisi, le linee sinuose, l’uso del colore e i sentimenti di potenza e sensualità dell’universo Ferrari, portandoli al centro di un’esperienza più emozionale, più calda e più avvolgente.

Così, le silhouette disegnano e accarezzano il corpo, mutando nei pesi e nei tagli, svuotandosi e amplificandosi per enfatizzare e valorizzare senza mai costringere, con quell’idea intrinseca di libertà e movimento che da sempre distingue la visione di Iannone. Le singole parti – come le spalle, il punto vita, gli orli – si costruiscono e decostruiscono fino a una sublimazione completa nella leggerezza e nella fluidità.

La sinfonia cromatica parte dal rosso per poi virare verso nuove sfumature: il tabacco, il cuoio, il terracotta e l’avorio, fino all’evoluzione ed elevazione del giallo sui tessuti più preziosi.

Le superfici vibrano e variano con la stessa eleganza e intensità: dalla pelle nylon alla pelle radica ispirata ai volanti degli anni ‘70, tamponata e verniciata a mano per il massimo grado di lucentezza. Il denim workwear si arricchisce di nuovi effetti spazzolati e screziati.

Le possibilità del Q-CYCLE by Ferrari si moltiplicano nella maglieria e nei trattamenti tecnici del twill, trasferiti anche sulle patinature dell’organza froissé. Un’intera porzione dello show è dedicata ai capi realizzati accostando tra loro carré in seta, che si distinguono singolarmente nella minuziosità delle impunture sartoriali.

L’arte del decoro, orientata a un impatto visivo al limite della couture, vive di ricami 3D che riproducono il Cavallino Rampante in un gioco virtuoso di nastri grafici, per poi traslare l’emblema di Maranello nei patch macramè dell’abito, della t-shirt e della gonna one-of-a-kind.

Parallelamente e complementarmente, lo sviluppo degli accessori è un trattato in progress sull’identità e sulla qualità artigianale di ciò che cambia con le stagioni pur rimanendo intramontabile nel tempo.

Mentre si esalta il concetto ibrido della ballerina driving – che diventa sandalo, décolleté e stivale – e i profili ergonomici della Maranello Clutch, ora rivestita anche in pelle radica, Iannone continua a sperimentare con l’immaginario del brand attraverso un altro oggetto iconico.

La cassetta degli attrezzi degli operai della fabbrica presta la sua sagoma a un bauletto in pelle, con fodera interna in Alcantara, punteggiata da bulloni in metallo e bordata da frange fluttuanti, create con pelle ricondizionata dagli scarti di produzione. Il modello sfila in passerella in sette diversi colori e materiali, per celebrare la settima collezione Ferrari e valorizzare, nel design e nello spirito, l’inventività, l’ingegno e il senso di continuità di uno stile che attinge continuamente alla storia e al vissuto di Maranello.

Come la criniera del Cavallino Rampante, quelle frange si muovono anche sui talloni dei sandali minimali, mentre i maxi gioielli organici, gli occhiali schermanti e i guanti da guida completano il look, ricordando – ancora una volta – l’audacia e la passione che si possono vivere solo dentro il guardaroba Ferrari.

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Insieme, in un’intimità familiare, condividendo bellezza e idee, amicizia: in una fresca mattina al café o anche uno splendente pomeriggio in riva al mare, un appuntamento romantico o una serata cozy di una festa estiva.

La collezione Luisa Beccaria SS 2025, che sfila al LùBar, è un inno allo stare insieme, per una donna che riscopre il piacere dell’incontro, sicura di sé e a suo agio in ogni situazione.

Un desiderio di condivisione che si disegna in uno stile ricco di motivi, a volte geometrici e a volte floreali, increspati da lavorazioni fil coupé o con rami di foglie, sovrastampe e sovraricami che dialogano tra loro, contrappunti di volumi morbidi e forme definite, occhi che s’annodano.

Per il giorno, il due pezzi è smanicato con motivo a quadretti dai toni terra e avorio con gonna svasata, o completo con blusa dalle maniche a tre quarti checked nelle sfumature del cielo, micro — che diventa tela su cui si dipingono piccoli fiori — e maxi per le bordature.

Lo chemisier in cotone operato, dalla gonna ampia, è a righe mosse dalla lavorazione fil coupé o in stampa ibrida tra quadretti Vichy e Principe di Galles. Il pizzo macramé bicromatico dà vita a leggeri abiti nei toni della spiaggia o a bralette e crop-top, declinati anche in organza con impalpabili ricami 3d.

Pantalone e sahariana, versione gilet profilati in bianco, si ingentiliscono con la blusa di cotone operato dalle maniche ampie.

La sera, luci e iridescenze diventano protagoniste con ampi abiti di tulle ricamati a formare rombi di paillettes o organze completamente ricoperte con sovrastampe o ricami a contrasto bronzo-argento.

Ritorna anche il Vichy, su un lungo abito con la gonna incrociata e sopragonna di taffettà appuntata da occhi.

Le silhouette sono morbide, spesso svasate, con abiti sottoveste o corpetti più strutturati, sottolineati da filettature  a contrasto; le lunghezze mini, midi e maxi.

I materiali comprendono cotone, lino stretch, fil coupé, organza, tulle, sangallo tagliato al laser, come pure costumi da bagno in abbinamento e leggera maglieria.

La palette cromatica gioca con i toni dell’orizzonte: dalla terra di un’estate assolata — beige, écru, sabbia, avorio, castagna, bronzo, oro antico, rosa — al mare infinito — blu, azzurro, verde acqua, alga, ottanio — resi a volte iridescenti dai bagliori argentei della luna.

Tra gli accessori: nei capelli, occhi dalla forma insolita — ispirati da un pezzo haute couture d’archivio Luisa Beccaria del 1994 —, sandali con nodo torchon nei tessuti della collezione, borse secchiello e cappelli in paglia lavorata a mano effetto uncinetto.

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Zancle è l’antico nome della città di Messina, il luogo in cui Fausto Puglisi è nato e cresciuto, affacciato sulle acque insidiose e affascinanti dello stretto che collega la Sicilia al resto d’Italia. Fedele alla sua natura isolana, Fausto era tanto desideroso di scappare quanto amava – e ama ancora – il legame viscerale con il genius loci.

Guardando il mare, non vedeva l’Italia all’orizzonte; vedeva l’America, dove in effetti poi è approdato e dove ha mosso i primi passi nella moda. Fausto sognava in grande: un tratto che è parte integrante della maison che Roberto ha costruito, il cui spirito è ancora molto vivo, in una interpretazione nuova e del tutto personale che radica un ethos distintivo in questo momento.

In un crescendo operistico degno di una rappresentazione al tramonto nel teatro greco di Siracusa, la collezione si muove come una vista a volo d’uccello attraverso i colori, gli odori e lo spirito di Messina, dalla texture graffiata delle case, alle corde e alle catene dei pescatori che si trasformano in abiti o gioielli, dai tramonti scintillanti e dalle acque più azzurre, ai pesci spada che diventano orecchini e decorano borse. Fausto Puglisi ama il dramma tanto quanto coltiva una idea americana di concretezza seducentemente pragmatica.

Il movimento è in crescendo: all’inizio tutto è bianco, avorio ed écru, con reti ricamate disegnate su trench, abiti drappeggiati e pantaloni larghi, nessuna stampa in vista. Da lì in poi, la scena si sposta sulle viste marine: un sole rosso brillante sta affondando nell’acqua al tramonto, catturato con precisione fotografica su pezzi facili e ariosi in seta froissé, resi come jacquard su cappotti e gonne sontuosi, ma svelti.

In seguito, il richiamo delle acque diventa irresistibile, ed è il blu e la liquidità del mare a prendere il sopravvento su abiti e tailleur che si muovono turbinano come onde, finché una visione di sirene ricoperte di paillettes emerge dalle acque spumose, e il richiamo dello stretto lancia la seduzione definitiva.

È una storia di forme tanto quanto una storia di materiali: jute, cotoni, lini, rafia intrecciata, carta, seta, seta laminata lucida come il ghiaccio. Nelle vedute da Zancle, emerge un nuovo Cavalli, carico di una freschezza estiva e di un amore profondo per le meraviglie della natura.

Questo show è il primo che la maison Cavalli mette in scena dopo la scomparsa del suo fondatore, Roberto Cavalli. Come omaggio, sette pezzi iconici dall’archivio sono stati selezionati per apparire in passerella alla fine della sfilata PE 25: tre sottovesti in taglio sbieco con stampa zebrata della collezione ai 2000; un abito da sirena in pelle nera e chiffon della collezione AI 2003; tre abiti piumati della AI 2004. Queste creazioni catturano l’essenza della creatività indomita di Roberto e il suo amore per il glamour selvaggio, rappresentando al contempo un momento iconico nei primi anni 2000, nella moda e nella cultura pop.

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Nessun’altra Maison è legata a un archetipo femminile quintessenziale come Saint Laurent, il cui ideale di donna è più complesso della seducente perfezione delle muse classiche. Come avrebbe potuto dire Yves Saint Laurent, io sono la donna Saint Laurent. La donna Saint Laurent ama assecondare le pulsioni più oscure, un’attrazione per il pericolo e il piacere che possiede con orgoglio nella sua agenzia moderna.

Anthony Vaccarello sviluppa ciò che ha distinto la Maison fin dal primo giorno: la rilevanza degli abiti Saint Laurent è distillata dall’atteggiamento indipendente della donna che li indossa. Le sue contraddizioni riflettono la personalità di Yves Saint Laurent, in cui la raffinatezza artistica coesisteva con il desiderio istintivo.

A dimostrazione di ciò, parte della collezione ricorda il modo di vestire di Yves Saint Laurent, con tailleur fluidi e giacche su blazer. Un lato diverso dello stesso personaggio emerge in una sezione più opulenta, dominata dalle gonne. Questi ensemble riecheggiano i capi vibranti spesso visti nelle opere dei pittori cari al fondatore della Maison.

Nel corso degli anni, il fascino sfaccettato della donna Saint Laurent è stato incarnato in modo più eloquente da un gruppo speciale di modelle con cui la Maison ha instaurato rapporti duraturi. Selezionate sia per la loro diversa singolarità sia per il modo in cui simboleggiano un nuovo ideale femminile, queste personalità sono parte integrante dell’universo Saint Laurent. In omaggio, stasera tutti i look portano il nome di donne che sono state importanti per la Maison in momenti diversi fino ad oggi.

Lo sfondo della sfilata si evolve nelle suggestive scenografie monumentali del Saint Laurent di Vaccarello. Mentre un volume lineare scuro si inserisce in un cortile storico, un oculo ovale rivela il cielo notturno. Un alto fregio dorato avvolge lo spazio in una calda luce, mentre il caratteristico pavimento blu fa riferimento ai famosi giardini di Yves a Marrakech.

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Mentre il sole tramonta sul colorato borgo di Portofino, Pucci porta la sua visione spensierata e glamour in un’elegante villa con giardini lussureggianti che si affacciano sul Mediterraneo. Qui scopriamo l’energia vorticosa di Marmo, l’amata stampa che Camille Miceli ha fatto rivivere dalla sua prima collezione Pucci nel 2022. Ispirata al riflesso del sole sul mare, Marmo riecheggia in tutta la collezione Primavera-Estate 2025, dove le forme fluide si fondono con vibranti allusioni acquatiche.

Divertenti, tattili e femminili, le frange aggiungono un ritmo dinamico ad abiti, gonne ed altre silhouette chiave. Un secondo tema della stagione prende forma con abiti leggeri due in uno che esaltano la silhouette, combinando gonne aderenti sovrapposte a top voluminosi a palloncino. Con un’impronta che ricorda gli anni Venti e la linea delle statue romane, drappeggi doppi, solidi e impalpabili al tempo stesso, si adagiano in tonalità di rosa etereo, sofisticati e freschi come un sorbetto d’estate. Come una brezza leggera, le donne si muovono libere, senza vincoli. Le bluse in popeline di cotone fluttuano con grazia, abbracciando la stagione con volumi leggeri.

Oltre al focus Marmo, emergono due stampe artistiche: Stella, un omaggio animato alla luna e alle stelle, e Maddalena, definita da curve eleganti e grafiche. Anche le variazioni cromatiche di Iride e Orchidee compaiono in diversi modelli da giorno e da sera. Le storie di colore si susseguono a ondate: una gamma di nude combinati con il nero si trasforma in stampa animalier; il bianco e il nero si mescolano con sfumature di rosa, che appare anche in toni più tenui; lo smeraldo è delineato da viola, turchese e giada come fossero pietre preziose.

Queste esplorazioni cromatiche vanno oltre le stampe accattivanti e i ricami dettagliati. Lungo tutta la collezione, un mix-and-match di dettagli ispirati al mare infondono carattere e raffinatezza al design complessivo. Marmo brilla sotto forma di paillettes stampate; una “conchiglia” in bianco e nero appare sugli abiti gioiello; i ricci di mare sono nascosti nei bottoni delle giacche. Occhielli metallici cuciti con il motivo Marmo adornano sandali, gonne e abiti da sera.

Rivolgendo lo sguardo verso il basso, le scarpe spaziano da stivali da pioggia rivisitati con tacchi bassi a spillo a sandali ricamati che catturano la luce dell’estate. Oltre a seducenti tatuaggi gioiello temporanei, collane girocollo e orecchini vantano dettagli giocosi, mentre le catene delle cinture richiamano, con le loro perline, le corde degli yacht.

Dal punk al pratico, le borse si reinventano: pochette pieghevoli  che si espandono in cabas, mentre una nuova forma a mezzaluna, in denim beige, si rivela perfetta per ogni occasione. In nylon, tornano la borsa Yummy e la borsa Riccio rivisitata dalla prima collezione di Miceli, “La Grotta Azzurra”. I ciondoli diventano ornamenti personali, mentre un’ulteriore gamma di accessori integra Pucci nella vita di tutti i giorni: astucci per occhiali, cover per telefoni e cinturini pensati per fondere funzionalità e gioia.

Avvolti dalla suggestiva atmosfera della villa, Pucci esprime uno stile di vita accessibile e positivo, che infonde la dolce vita in ogni giorno.

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Tod’s celebra l’Intelligenza Artigianale, valorizzando l’individuo e ricordandoci che, al di là di ogni innovazione, dietro ogni prodotto ci sono il sapere e le mani di chi lo ha creato. L’artigianalità e l’eccellenza del Made in Italy, da sempre valori imprescindibili per Tod’s, dialogano costantemente con la ricerca e la sperimentazione.

Questi valori sono espressi attraverso l’opera dell’artista Lorenzo Quinn, noto per le sue monumentali sculture di mani in gesso: due mani che stringono fasce di cuoio incrociate, simbolo dell’eccellenza artigianale e del saper fare italiano, realizzate per la sfilata Tod’s donna primavera-estate 2025.

Per l’estate 2025 di Tod’s, il Direttore Creativo Matteo Tamburini presenta una collezione ispirata a un viaggio lungo le coste del Mediterraneo, dove la tradizione incontra il lusso discreto e la funzionalità, emblemi dello stile di vita italiano. Materiali pregiati e una sofisticata lavorazione artigianale danno vita a un guardaroba rilassato, con forme e volumi che incarnano un’eleganza senza tempo, accompagnando la donna Tod’s nella sua vita quotidiana.

L’iconico trench, in cotone e in pelle, assume nuovi volumi fluidi in varie lunghezze, mentre la giacca a vento è proposta in cotone resinato o in leggerissima nappa. Giacche e camicie in crêpe melange danno vita a capi sartoriali, come il completo che abbina una giacca cropped a pantaloni slim in diverse tonalità. La palette si concentra su toni naturali, ispirati alla pietra, alla sabbia, al bronzo e ai colori vibranti dei paesaggi italiani: il verde dei prati, il blu del mare e il rosso della terra.

L’iconica scarpa Gommino rimane il pezzo forte della collezione nel modello “guanto”, dove una serie di anelli si combinano per creare un nuovo dettaglio distintivo, in una ricca versione in pelle lavorata, interamente intrecciata a mano. La versione zoccolo è disponibile in pelle spazzolata e pregiata. La gamma di sandali presenta l’accessorio “Barretta”, dove una sottile fascia metallica arricchisce la calzatura estiva per eccellenza.

L’artigianato ispirato alla selleria e i materiali esclusivi definiscono la collezione di borse. Alla famiglia Di Bag Folio, disponibile anche nella versione Hobo in vitello spazzolato, si aggiunge la Di Bag Swing, caratterizzata da tonalità bronzo e ocra. Il nuovo dettaglio distintivo di Tod’s è rappresentato dai modelli Barretta, impreziositi da una sottile fascia metallica che, nelle versioni a spalla e a secchiello, evoca una sensazione di leggerezza e semplicità.

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